Arte y amistad hasta el final: “Mi obra maestra”

Ayer vi la película “Mi obra maestra”, y obviamente no soy crítica de nada, y mucho menos de cine.

Pero sí soy artista y cuento con poquísimos amigos que me acompañarían hasta el final del mundo. Eso ya me pareció suficiente como para escribir sobre lo que sentí.

Es una película argentina de 2018 escrita por Andrés Duprat y dirigida por Gastón Duprat, quien también dirigió “El ciudadano ilustre” y “El hombre de al lado”. La misma está protagonizada por Guillermo Francella y Luis Brandoni.​ Fue seleccionada para participar en la 75° edición del Festival de Venecia en la sección oficial.

Imposible hacer un spoiler porque tiene tantas interpretaciones como espectadores: recorre tantos valores humanos a través de la tragicomedia, que sacar una única conclusión sería necio.

Lo que se puede adelantar es que los protagonistas son un artista mayor de convicciones férreas y su galerista, amigo de toda la vida.

Ni siquiera los trailers hacen honor a su contenido, ya que están hechos para vender, tomando algunos de los momentos más hilarantes, pero no por ello más trascendentes.

Tampoco las sinopsis que la explican, no por lo menos para quienes sienten profundamente y ven más allá de una historia entretenida.

Es una obra sorprendente, llena de giros, en donde lo que predomina es la importancia del arte y la amistad ante todo.

Podría hablar de las excelentes actuaciones, de los guiones ajustados, de la fotografía fuera de serie, pero lo que más me tocó fue la historia.

Ojalá todos tuviéramos una pasión como aquella y tan solo, al menos, un amigo, como ese.

Link Trailer: “Mi obra maestra”

mi obra maestra

 

 

 

Buscando adentro, buscando afuera

Hoy Portishead, banda inglesa formada en 1991, me trae “Glory Box”, parte de “Dummy”, su disco debut. Considerados como unos de los pioneros del trip hop, unen jazz, sintetizadores y la hermosa voz de Beth Gibbons para lograr atmósferas únicas.

Hay quienes creen que se trata de una canción de amor, pero es en realidad una crítica a los roles de género tradicionales y a la presión social para cumplirlos.

Cada vez que tomamos una decisión que está fuera de lo esperado, damos un paso al costado, nos alejamos más de lo que se espera de nosotros. Así mismo, la maquinaria que enjuicia nuestros actos funciona eficientemente.

“It’s time to move over”

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Link: Portishead – “Glory Box” –

A continuación la versión en dibujo:

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“Empty” – tinta china sobre papel – 2018

Fin de semana sigue el desafío: “I’d rather be a bitch than be an ordinary broken heart”

Fin de semana de limpieza general. Pero cuando digo general, a 35 ºC y con una humedad brutal, me refieron a una locura de saneamiento material que me dejó prácticamente vacía de pensamientos, y de voluntad.

La ropa sigue en la lavadora, esperando que la tienda, y yo me merezco una segunda ducha.

Pero primero vamos a terminar de sacar la basura, que parece que esa era mi misión estos días: así que a dibujar mientras el día transcurre entre música.

Para eso surgieron solos los “Dresden Dolls”, un dúo de Boston creado en el 2000, que hace más ruido que una banda balcánica. Sus shows son apoteósicos, así como los de Amanda Palmer, la integrante femenina.

La canción es “Good day” y viene del disco “Yes, Virginia”.

Captura de pantalla (35)

Link: Good Day – The Dresden Dolls –

"I'd rather be a bitch, than be an ordinary broken heart"

“I’d rather be a bitch than an ordinary broken heart”.Técnica mixta sobre papel. 26,5 x 16 cm. 2018

 

 

Segundo día de música y dibujo: cuerpo

Los girasoles se relacionan generalmente con lo cálido y lo alegre.

Low, grupo de Minnesota, en Estados Unidos, prefiere vincularlos a una cierta nostalgia de algo perdido.

En mi caso la confianza en alguien, que se merece “Sunflowers” a todo volumen.

low

Link: Sunflower – Low –

A raíz de estos sentimientos, el cuerpo reacciona como puede.

Aquí una pequeña muestra:

gastritis

“Gastritis”, lápiz sobre papel, 15 x 16 cm. 2018.

Julio en la prensa!

Julio se caracteriza generalmente por ser un mes en donde las cosas transcurren más lentamente.

El calor, la cercanía de las vacaciones y la preparación del trabajo que deberá ser terminado recién a la vuelta, hace que en Barcelona, nuestra ciudad, los únicos que lleven prisa, sean los turistas.

Pero la exposición en la que que estoy formando parte ahora mismo justamente habla de esta época y se llama “Summertime”. Está conformada por trabajos de 20 artistas de distintos lugares, que la Galería Dupressoir ha reunido con criterio y buen gusto.

A partir de esta exhibición, tanto la revista Cosmopolitan como la sección de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, nos dedican un espacio, teniendo el honor de haber sido elegida en ambos casos como imagen del evento.

La obra en sí se llama “En découverte“, Técnicas mixtas sobre papel, 35 x 27cm, 2018.

en découverte

 

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Cosmopolitan Agosto 2018

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Sección Arte revista Cosmopolitan Agosto 2018

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“‘Summertime’ o el verano como fuente de inspiración artística” Barcelona Cultura del Ayuntamiento de Barcelona. http://lameva.barcelona.cat/barcelonacultura/es/recomanem/summertime-verano-fuente-inspiracion-artistica

 De más está decir que cuando una galería hace su trabajo con profesionalidad y con cariño, los resultados son visibles ¿De cuántas paredes blancas en Barcelona simplemente cuelgan obras que nunca se moverán porque sus responsables ya no tienen ilusión por su trabajo?

Agradecemos cómo podemos ver que los galeristas se involucran realmente, cómo hacen de su proyecto laboral, el proyecto de su vida.

¡Por muchos veranos más rodeados de arte!!!

Para más información: Galeria Dupressoir: www.galeriadupressoir.com

San Pere Més Alt 42
08003 Barcelona

contact@galeriadupressoir.com

 

 

Inktober 2017 y el sexismo

Nada más útil que el Decálogo para identificar el sexismo en la publicidad.

Realizado por el Observatorio Andaluz de la Publicidad, deja claras las pautas que se repiten una y otra vez, en donde las mujeres son meros objetos decorativos dispuestos para vender un producto.

ES SEXISTA LA PUBLICIDAD QUE…

1. Promueve modelos que consolidan pautas tradicionalmente fijadas para cada uno de los géneros.

. Anuncios que siguen perpetuando los roles tradicionalmente asignados a cada género, ajenos a los cambios sociales y a las nuevas realidades vividas por muchas mujeres.

2. Fija unos estándares de belleza femenina considerados como sinónimo de éxito.

.Anuncios configurados desde una mirada masculina que limitan las posibilidades de éxito social para las mujeres al seguimiento de unos modelos de belleza.

3.Ejerce presión sobre el cuerpo femenino a través de determinados tipos de productos.

.Anuncios que limitan los objetivos vitales de las mujeres a la adecuación a unos determinados patrones estéticos. En estos anuncios, las mujeres aparecen descontextualizadas, parece que no hacen nada, sólo centran sus diálogos en el cuidado corporal.

4.Presenta el cuerpo de las mujeres como un espacio de imperfecciones que hay que corregir.

.Anuncios que presentan los cuerpos de las mujeres y sus cambios debidos a la edad como “problemas” que es preciso ocultar y/o corregir.

5. Sitúa a los personajes femeninos en una posición de inferioridad y dependencia.

.Anuncios que presentan a las mujeres como dependientes con respecto a los hombres, en un segundo plano, sin voluntad, pasivas y sumisas. Llama la atención el recurso a una imagen postrada, sometida, de las modelos en los reportajes de moda.

6.Excluye a las mujeres de las decisiones económicas de mayor relevancia.

.Anuncios que siguen perpetuando los roles tradicionalmente asignados a cada género y que, considerando que las mujeres no tienen autonomía económica, las sitúan en un segundo plano cuando se trata de tomar decisiones sobre compras de mayor cuantía económica.

7. Aleja a las mujeres de los espacios profesionales prestigiados socialmente y, por el contrario, les asigna los roles de limpieza, cuidados y alimentación familiar.

.Anuncios que siguen manteniendo el tradicional reparto de espacios, asignando a las mujeres el ámbito de lo privado, desprovisto de prestigio, y a los hombres el espacio de lo público, del saber y de la autoridad.

8.Niega los deseos y voluntades de las mujeres y muestra, como “natural”, su adecuación a los deseos y voluntades de las demás personas.

.Anuncios que nos muestran a mujeres realizadas como personas en la medida en la que responden a lo que los demás piden de ella: los hijos e hijas, el marido, la madre… Si esta mujer desempeña también un empleo fuera del hogar, deberá atenderlo todo: superwoman.

9. Representa al cuerpo femenino como objeto, esto es, como valor añadido a los atributos de un determinado producto; como su envoltorio, en definitiva.

.Anuncios que recurren al cuerpo femenino, o al fetichismo de determinadas partes del mismo: labios, pies o prendas de vestir femeninas, como reclamo para atraer la mirada y la atención del potencial cliente

10.Muestra a las mujeres como incapaces de controlar sus emociones y sus reacciones, “justificando” así las prácticas violentas que se ejercen sobre ellas.

.Anuncios que muestran a las mujeres movidas por caprichos, faltas de juicio en sus reacciones y comportamientos, histéricas, charlatanas… En el fondo, se está recurriendo a estereotipos conductuales muy habituales en la representación tradicional de las mujeres. En estos mensajes, las mujeres quedan ridiculizadas o han de ser vueltas a la cordura por el elemento masculino.

Fuente: http://www.mujeresenred.net/spip.php?article1554

En la serie de Sexismo correspondiente a Inktober 2017, parto de publicidades reales en donde no modifico nada del original, para pasarlo al papel en un boceto rápido a tinta.

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“Alexander Wang Sucks”

americab apparel

“American Apparel disrespect women”

dos botellas x una

“Compra la segunda por la mitad”

La procrastinación en los artistas

Recostada en el sofá, con mi perra a los pies, evito mirar hacia la derecha.

Sé bien qué es lo que hay en esa zona de la habitación: un atril con un dibujo a medias. Lo he terminado en mi cabeza con todos sus detalles hace meses. Es casi indignante verlo y verificar que esas sombras que deberían estar completas, no existen.

Lo que pasa es que antes de ponerme a dibujar debo lavar los platos que quedaron de anoche, poner una lavadora, doblar toda la ropa limpia y guardarla, ir a tirar la basura reciclada, hacer la cama, mirar a la nada desde mi terraza. Me siento al lado de mi perra y la acaricio mientras me miro los pies, de ahí el suelo, el césped que se extiende hasta el final de mi vista.

En mi cabeza pelean el sentido de obligación de ponerme a dibujar, y una resistencia sorda e inexplicable.

Sé que no soy la única, la procrastinación, porque así se llama lo que hago con tanta profesionalidad, es un mal que se ensaña especialmente con los artistas.

La procrastinación (del latín procrastinare: pro, adelante, y crastinus, referente al futuro), es la postergación o posposición es la acción o hábito de retrasar actividades o situaciones que deben atenderse, sustituyéndolas por otras situaciones más irrelevantes o agradables (Wikipedia).

Puede ser confundida con la pereza, pero no, es simplemente miedo. A no estar a la altura, a no crear una obra tan perfecta como debería ser, a no ser capaz.

En vez de enfrentar ese fantasma, nos vamos cubriendo con responsabilidades teóricamente impostergables que hacen que ese fracaso no tenga posibilidad de existir.

Se le suma entonces la sensación de culpa: sabemos bien que no hemos cumplido con nuestro trabajo, las agendas llenas de listas y nada tachado, la percepción de que mañana será igual y así nos encontraremos en un círculo vicioso del que resulta difícil salir.

Definitivamente la disciplina debe ser uno de los puntales básicos del artista. Que quede para la literatura la idea del pintor bohemio, víctima de súbitos arranques de inspiración genial, prolífico y anárquico a la vez.

No negaré la existencia absoluta de algún individuo así, simplemente constato que la gran mayoría está formada por personas que sufren bastante intentando conciliar su vida diaria con el arte.

En las escuelas y universidades no se nos explicó ningún método de trabajo, y ni hablar de todo lo que envuelve al arte pero que no es arte: contabilidad, búsqueda de trabajo o clientes, marketing, publicidad, etc.

Así que hablando con otros colegas y leyendo bastante, he logrado una lista de 15 puntos que pueden ayudarnos a dejar a la procrastinación KO.

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Consejos para ganarle a la procrastinación y comenzar a crear:

1- Crea una lista de tareas todos los días: Decide cuáles son tus prioridades y ocúpate de las cosas más urgentes primero. No las pospongas para última hora del día cuando ya estás cansado. Incluye detalles de las tareas que debes realizar.

2- Sé realista sobre lo que puedes lograr: No te responsabilices de una larga lista de actividades que te causarán stress. Cando programes ten en cuenta las pausas de descanso.

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3- Comienza tu día con la tarea más difícil: hazla primero y ya habrás conquistado el día.

4- Ponte un objetivo: Dentro de un tiempo específico, realista y mesurable.

6- Enfócate en un propósito: Intenta pensar qué te motivó a dedicarte al arte ¿Cuál es la intensión de lo que haces?Pensar así sobre tu misión puede ayudar a motivarte y ponerte en acción. Pregúntate realmente qué es lo que quieres hacer, y si te das cuenta de que algo ha cambiado, cambia tus objetivos.

4- Ve a tu ritmo: En vez de dedicarte a una tarea durante una larga cantidad de horas, divídela en segmentos.

5- Entra en tu estudio y cierra la puerta: Asegúrate de que los demás entiendan y respeten tu lugar y tiempo de trabajo. Pero debes ser tú primero quién se tome en serio esto.

6- Di no a las distracciones: Mantente alejado de las redes sociales, apaga el teléfono si hace falta. Revisa tu mail solo un par de veces por día y cuando ya tengas bastante trabajo adelantado.

7- Sé estricto con tu tiempo: si has planeado varias cosas para tu día, usa una alarma que te ayude a dividir el tiempo y respétalo.

8- Termina lo que estás haciendo: antes de empezar un proyecto nuevo, asegúrate de terminar lo que tienes en proceso. Terminar las cosas otorga una gran satisfacción, mientras que lo contrario nos produce stress, ansiedad y letargo, quitándonos energía. Termina cosas y quítatelas de encima, sintiéndote liviano, activo y listo para más.

9- Trabaja todos los días en tu arte: La persistencia es la clave de todos los emprendedores, artistas incluidos.

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10- Haz arte malo: ya que el perfeccionismo es una de las causas principales de la procrastinación, ésto puede paralizarnos. La clave es crear cosas malas intencionadamente, o por lo menos dejar de preocuparse tanto porque resulte perfecto. Una técnica es tener un cuaderno que nunca se muestra, en donde dibujar sin preocuparse por nada.

11- Toma una decisión, la que sea: Analiza tus opciones, elige un camino y actúa.

12- Cambia tu entorno: Si tu zona de trabajo está desordenada, si hay mucho ruido y movimiento, tu concentración se puede dificultar. Procura tener un lugar privado y mantenerlo lo más ordenado posible.

13- Suma a un/a compañero/a: crear grupos de estudio o trabajo es un gran motivador. Si al menos te pones de acuerdo con otro artista con quien apoyarse mutuamente, teniéndose al tanto de los avances y dificultades que tengáis ambos.

14- Búscate un mentor: Los mentores son grandes motivadores para la acción. Busca a alguien que haya llegado a donde quieres llegar. Puede facilitarte mucho el camino, decirte qué es lo importante y lo accesorio y apuntalar tus progresos.

15- Prémiate por logros: Muchas de las cosas a las que nos enfrentamos son difíciles para nosotros porque nadie nos ha enseñado a hacerlas (contabilidad, marketing, ventas, etc.), así que cuando termines un proyecto, prémiate con algo especial.

cine

 

Bibliografía

  • Aguilar, 2011.

“Encuentra lo que amas y deja que te mate”

Pocos artistas tienen la suerte de contar con el apoyo de sus padres al elegir su carrera.

Las razones son miles, cada una más “lógica” que otra: ¿de qué vas a trabajar? Eso no es un trabajo, es un hobby, búscate algo serio y en tu tiempo libre pintas o haces lo que te de la gana, vas a terminar vendiendo anillos de alambre en las ferias de artesanos (pobres), etc.

También puedes encontrarte del lado de tu interlocutor con una risa genuina que muestra qué absurda le resulta tu propuesta de vida.

En mi caso me costó un rato convencer a mi padre de que no era una broma (al parecer la más graciosa hasta el momento).

A mi madre no le pareció tampoco una excelente idea, pero viendo que mi decisión era inamovible, me apoyó incondicionalmente hasta el día de hoy.

Nadie que no haya estudiado una carrera artística: sea artes plásticas, música, teatro, cine, danza, etc; podrá imaginarse la cantidad de razones que se deben dar para justificarse.

Generalmente si te preguntan por qué elegiste esa carrera es para saber qué parte de tí estaba fuera de la realidad, y para tener como respuesta una disertación pintoresca.

Somos pintorescos.

A menos que triunfemos. Económicamente.

Doy clases de arte a adultos desde hace 15 años, la mayoría odia su trabajo y a veces su sesión de escultura es uno de los pocos momentos de la semana en que es feliz. Un porcentaje grande hubiera querido dedicarse al arte. Otro porcentaje no desdeñable tiene talento.

He observado que alrededor de los 30 años un grupo entra en crisis: estudiar abogacía fue una pésima idea, nunca te gustó y te explotan en un buffet con un contrato basura. Ninguna de las carreras que antiguamente aseguraban el sustento pueden continuar haciéndolo.

Tus padres te dijeron que estudiar música era una pésima idea…¿y quién se dedica a hacer vidrieras en el s. XXI?

Hoy tienes un master en ciencias medioambientales y trabajas en un supermercado esperando a que la suerte cambie. Lo que sigue incombustible es tu placer por dibujar…

Por suerte una pequeña porción se decide a tirar todo por la borda y a dedicarse a estudiar arte. El orgullo que me produce poder haberle trasladado mi amor por lo que hago es inmenso. No creo que yo provoque una decisión, simplemente me conformo con decirle: “no estás loco, no estás solo”.

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“Espejo”, Natalia Fürst, acrílico y lápiz sobre papel. 50x70cm.

Hace unos meses me topé con el libro “Instrumental”, de James Rhodes. Lo devoré, pero con cuidado, en pequeñas porciones: es tan real, tan consistente, tan subversivo, que corría el peligro de intoxicarme. Es el canto a la vida más brutal que he experimentado en los últimos años.

James cuenta que a los 7 años descubrió un cassette de música clásica y desde ese día supo que quería ser concertista de piano.

Pasó años evitándolo, hasta que el dolor de no tocar fue más fuerte que el miedo al dolor de hacerlo.

Y ahí recupera al gran Bukowski, que cada día me parece que toma más y más sentido:

bukowskiNo creo encontrar mejor frase para terminar.

¿Pagar por exponer?

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Exposición en Sotheby’s

A pesar de que internet ha puesto al alcance de cualquiera la opción de exponer online gratis, la forma tradicional en una galería sigue siendo prácticamente obligatoria, ya que no sólo abre posibilidades comerciales, sino de prestigio.

Se espera que nuestro curriculum que esté pensado para mostrar los lugares en donde hemos expuesto, los premios, becas y residencias. Todas estas instancias son palpables, no virtuales.

Quizás comercialmente a través de internet, ya nos vaya lo suficientemente bien como para no preocuparnos por ser representados por una galería, pero ese es otro asunto. Depende básicamente de la orientación que queramos darle a nuestra carrera.

Aquí es cuando todo artista se pregunta por dónde empezar, cómo presentar su trabajo y dónde.

Hay múltiples posibilidades: desde un bar hasta un centro cultural, cada uno sopesará los pros y los contras.

Pero uno de los entes cada vez más presentes son las galerías que cobran al artista por exponer.

Es entonces cuando todos nos preguntamos si eso es justo o no, si vale la pena o simplemente se están aprovechando de la desesperación de quien quiere exhibir su obra.

La Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España (UAAV), en su Código de Relaciones entre el Artista y el Espacio de Difusión del Arte Contemporáneo explicita que “la retribución económica (comisión) a favor del galerista es el porcentaje que éste se reserva sobre los importes de las ventas realizadas como contraprestación económica por su tarea comercial y sus servicios profesionales.” Esta comisión estará entre el 30 y el 50 % del precio y nunca se alquilará el espacio como forma de pago.

Es decir: aquellos espacios que se hacen llamar “galerías de arte” no deberían cobrar bajo ningún concepto por exponer.

Diferente es el caso de asociaciones culturales u otros lugares que puedan prestarse a una exposición. Allí cada artista decidirá si le parece que puede serle útil o no, dependiendo también del tipo de muestra que se proponga.

Pero las galerías de arte con prestigio, no cobran.

De hecho, generalmente las autodenominadas galerías que sí lo hacen, no forman parte de las asociaciones oficiales de galeristas de su región.

El problema se le presenta a los artistas emergentes, que no tienen la reputación para acceder a las galerías serias y que se preguntan entonces si no vale la pena invertir un poco de dinero y darse así a conocer.

Sobre este tema hay muchísimo por decir: sólo baste entrar en un forum en donde se discuta este tema, para ver cuántas opiniones diferentes hay y cómo se defienden calurosamente.

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No por nada se les llama “vanity galleries” y llegan en ocasiones a pedir cantidades enormes de dinero por exponer en su espacio o por llevar tu obra a una feria.

Es importante entonces hacer una pequeña investigación: ver si esta galería forma parte del gremio, quién es su propietario y/o galerista, qué artistas representa, si tiene apariciones en la prensa especializada, etc. Y si es posible, acercarse a una inauguración para ver cómo funciona.

¿Qué problema habría en gastar un poco de nuestro dinero si lo recuperaremos con las ventas luego?

Es que probablemente esas ventas no existirán. Una vez que has pagado, las vanity galleries no tienen interés en esforzarse por vender una obra. Además normalmente no tienen una base de coleccionistas que podrían acercarse a comprar.

Trabajé en una galería en donde los propietarios sabían tanto de arte como yo de fórmula uno (cero), y la forma en que se trabajaba estaba alejadísima de la ética; pero eran los viejos buenos tiempos en que se compraba a lo loco, por lo que hasta ellos vendían. Esto ya no es así hoy en día.

Vi también cómo funcionaba desde adentro una galería de pago (no llegaba a ser una vanity gallery) y se cumplieron cada uno de los puntos que enumeré más arriba, a pesar de que quien la llevaba no era una mala persona, simplemente no sabía cómo trabajar profesionalmente. Lo que está claro es que si hubiera estado al mando un galerista serio, las cosas hubieran ido muchísimo mejor.

Finalmente, la pregunta es: ¿si todavía siguen existiendo será que de algo sirven? Por lo menos me permitirá añadir una línea más a mi curriculum.

No, en el mundo de las galerías se sabe muy bien cuál es seria y cuál no, con lo cual pagarle a una vanity gallery puede ser que te reste puntos.

Mejor es buscar otras opciones: galerías nuevas que no cobren, galerías cooperativas, sitios alternativos, exposiciones colectivas, asociaciones culturales, talleres de artistas, clubs, etc.

Precisamente si esos espacios siguen existiendo es porque los artistas no nos unimos y creamos nuestros propios lugares, porque no les contamos a los demás si hemos pagado o no, porque guardamos celosamente toda esa información que podría ser útil para todos.

Si no somos nosotros quienes se ocupen de buscarle una solución a este problema, no será el mercado quién nos la dará.

Nuevas respuestas para nuevas épocas, nuevos artistas para colaborar en nuevos proyectos.

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Versatilidad versus Especialización

La universidad no prepara a sus estudiantes de Bellas Artes para el ámbito laboral. Nos enseñan a dibujar, a pintar y a hacer escultura, aunque cada vez más lo manual pasa a segundo plano. Pocas carreras deben tener menos contacto con la realidad que la nuestra.

Terminamos de estudiar y ¿entonces qué? No sabemos cómo funciona el mercado y menos cómo insertarnos en él.

Así que cada uno por su cuenta y dependiendo de sus posibilidades y ambiciones, hará sus averiguaciones sobre nuestras opciones de supervivencia.

En los últimos años se ha empezado a desarrollar un fructífero negocio de coachs artísticos que nos explican cómo funcionan las galerías, cómo se prepara un portfolio y qué hacer si se quiere vender por internet. Nos gusten o no, ciertamente son útiles, nos dan la información que deberíamos haber recibido mientras estudiábamos.

Uno de los puntos en los que mayor énfasis hacen es la observación de las carreras de otros artistas que estén posicionados en donde nosotros querríamos estar, o que desarrollen un tipo de obra similar al nuestro.

Es cierto que si prestamos atención a estos artistas, veremos que generalmente se han especializado enormemente en un tipo de manifestación artística. Se intenta ser el mejor representante de algo que se haya escogido: escultura en madera, pinturas de marinas en óleo, dibujos de mujeres de ojos grandes. Da igual el objeto que se haya elegido, simplemente se elimina cualquier acompañamiento porque el cliente tiene que tener bien claro a qué nos dedicamos.

La especialización que se ha dado en la medicina y la tecnología se está aplicando ahora al arte.

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“Parte del origen”, Natalia Fürst, técnica mixta sobre papel.

Atrás quedó la idea del hombre renacentista, capaz de ocuparse de varias cosas a la vez. Hoy se le llama dilettante.

Algunos artistas tenemos un gran inconveniente en este punto porque nos negamos a dedicarnos únicamente a una disciplina.

Yo necesito dibujar y hacer escultura en arcilla, pero también trabajar con vidrio y pintar cuando la obra me lo pide. No puedo quedarme con una vertiente y descartar las otras, me aburriría muy rápido. Y una de las cosas más importantes a la hora de decidirme por el arte como forma de vida, fue que no existía la rutina.

Hay otros artistas que se dedican exclusivamente a algo, lo hacen bien y continúan disfrutándolo.

Pero no sé cuántos son. Casi todos los que conozco personalmente se dedican al menos a dos disciplinas.

También he de decir que no son precisamente ellos los que han triunfado en el mercado.

Así también el mercado nos dicta que se debe trabajar por series: una cierta cantidad de obras con un mismo tema y estética.

Es cierto que es cómodo y nos ayuda a enfocarnos mejor, sin duda es una técnica de trabajo que recomiendo, pero el interés del mercado es que logremos un producto cohesivo, sin fisuras.

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Máquinas de pintar o esculpir o grabar, que produzcan a ritmo sostenido y constante una cierta cantidad de obras muy semejantes entre sí que sean rápidamente identificables y vendibles a nuestro nicho de mercado.

Se nos habla de un nicho de mercado, sí, tal como lo leen: nosotros también hemos sucumbido a la lógica del consumo.

De manera paralela los museos solicitan cada vez más instalaciones, videoarte u otro tipo de obras a los artistas. Con lo cual por un lado se nos pide especialización y por otro versatilidad.

Paradójicamente, se les permite ser libres y utilizar el método y medio que deseen a personajes como Damien Hirst, que ni siquiera toca sus obras, producidas por un ejército de más de 150 obreros.

Nos encontramos por lo tanto con un dilema excepcional: ¿seguimos haciendo arte porque es una expresión de nuestra libertad pero renunciamos a venderlo?¿Nos especializamos en algo y nos aseguramos así nuestra supervivencia?

¿Cuánto cuesta entonces nuestra supervivencia?

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Imagen de kaleandcigarettes.com